CONCLUSIÓN

Para concluir con el trabajo, voy a destacar que la vanguardia que mas me gustó desarrollar y aprender fue la del SURREALISMO ya que expresa los sentimientos ocultos y los temores del artista en un intento por descubrir el inconciente sobrepasando lo real por medio de lo imaginario. En mi parecer elegí esta vanguardia ya que me interesan los sueños y me resultan atrayentes e interesantes. Me gustaría saber que significan y poder retratarlo en un lienzo sin que mi mente ejerza ningun tipo de control. Por ultimo destaco este cuadro surrealista de Salvador Dalí.

La persistencia del tiempo. 

En La persistencia de la memoria los relojes se deshacen, quizá hastiados del tiempo, o de sí mismos, y lo hacen sobre la rama muerta de un árbol, sobre una cabeza disparatada que finge dormir, sobre una mesa que se cuadra obediente hacia al punto de fuga. Cada reloj marca una hora, como si la manía circular de cada uno de ellos mantuviera una postura distinta acerca de la hora exacta. Como el cuadro no es cine, no sabemos si las agujas, en efecto, marchan hacia delante, hacia donde estamos acostumbrados que lo hagan: las dos después de la una, y las cuatro después de las tres, cuando ya han terminado los telediarios. ¿Quién sabe si estos relojes de Dalí van hacia atrás, y entonces no habría que preocuparse por levantarse a tiempo, sino por haberlo hecho demasiado pronto?

Estos relojes, salidos del país en el que se perdió Alicia cuando perseguía a un conejo, son, me parece, la primera manifestación artística de E=mc2. Mientras Einstein se machacaba las neuronas teorizando sobre la constante cosmológica que le resolviera sus ecuaciones, Dalí ya sabía todo aquello, lo intuía, lo soñaba desvelado, en una mala digestión de queso Camembert. Si el tiempo es curvo, que lo sean también los relojes: liberémoslos de su cuadratura circular.

surrealismo

• Año 1924 siglo xx. El surrealismo surge a partir de la teoria de sigmund froyd, en el descubrimiento del inconsciente. fue una etapa muy marcada por el estudio de los psiquiatras, la imaginacion y lo irreal (sueños); como los fenomenos del subconsciente escapan al dominio de la razon 
• Temática: animacion de lo inanimado, la metamorfosis, el aislamiento de fragmentos anatomicos, maquinas fantasticas, perspectivas vacias, evocacion del caos, el sexo y lo erotico se trata de modo lubrico, automatas, libertad del espiritu. 
• El surrealismo tomó del dadaismo algunas técnicas de cinematografia y fotografia asi como la fabricacion de objetos. extendieron el principio del collage (el objeto encontrado) al ensamblaje de objetos inconcluyentes. tambiense destaca como tecnica el fotagge inventado por Max Ernst, basado en dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo. otra de las actividades creadas por el surrealismo fue la llamada Cadaver Exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin vel lo que el anterior habia hecho pasandole el papel doblado.
• Autores: Douchamp, Max Ernst, René Magritte, Salvador Dalí, Giorgio de Chirico, Marc Chagall, Paul Delvaux, entre otros.

Surgió en Francia con André Bretón, quien siguiendo a Sigmund Freud se interesó por descubrir los mecanismos del inconsciente y sobrepasar lo real por medio de lo imaginario y lo irracional. Se caracteriza por: pretender crear un hombre nuevo, recurrir a la crueldad y el humor negro con el fin de destruir todo matiz sentimentaloide y a pesar de ser constructivo, los aspectos de la conducta moral humana y las manifestaciones no son de su interés.

Salvador Dalí

Pintor surrealista español nacido en Figueres, Girona, el 11 de mayo de 1904. En 1921 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), de donde fue expulsado en 1926. En esa época vivió en la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde se relacionó con Federico García Lorca, Luis Buñuel, Rafael Alberti, José Moreno Villa y otros artistas. En 1929, instalado en París, donde conoció a Pablo Picasso, se adhiere al surrealismo, aunque los miembros principales del movimiento expulsarían finalmente a Dalí por sus tendencias políticas derechistas. La producción de Dalí de este periodo se basa en su método paranoico-crítico, inspirado en buena parte en las teorías de Freud, representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas compositivas insospechadas y sorprendentes, como los relojes blandos de La persistencia de la memoria (1931, Museo de Arte Moderno, MOMA, Nueva York). Dalí se trasladó a Estados Unidos en 1940, donde permaneció hasta 1948. Sus últimas obras, a menudo de contenido religioso, se realizan en un estilo más clásico, entre ellas cabe citar la Crucifixión (1954, Metropolitan Museum, Nueva York) y La Última Cena (1955, Galería Nacional de Washington). La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso. Dalí realizó varias películas surrealistas en colaboración con Buñuel como El perro andaluz (1928) y La edad de oro (1930), libros ilustrados, diseños de joyería así como escenografías y vestuarios teatrales. También escribió libros autobiográficos como La vida secreta de Salvador Dalí (1942) y Diario de un genio (1965). Fue miembro de la Academia Francesa de Bellas Artes desde 1979. Murió el 23 de enero de 1989 en Figueres.

El gran masturbador

Se trata de un autorretrato donde se reflejan sus deseos y temores sexuales. Para entonces Dalí todavía era virgen. En la obra se refleja claramente el gusto de Dalí por la DEFORMACIÓN de las formas;de manera que el lienzo queda totalmente distorsionado lo que no nos permite reconocer fácilmente las figuras ni la intencionalidad del cuadro.

Fuentes de información:

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=224

http://xgfkncl.wordpress.com/salvador-dali-la-forma/

Material aportado por el docente

dadaismo

• El moviento dadaista se desarrollo en Europa y los Estados Unidos en la segunda decada del siglo XX. Nace de un deseo de independencia; no reconoce otras teorias. Durante una reunion en Suiza, en 1916, un grupo de jovenes intelectuales exiliados e inconformistas, contrarios a la Primera Guerra Mundial decidieron construir un movimiento artistico y literario completamente subversivo. Tras la Primera Guerra Mundial el movimiento se extendio hacia Alemania y muchos de los integrantes del grupo de Surich se unieron a los Dadaistas Franceses en Paris. 
• Se caracterizaba por su negacion del arte, su intencion rupturista e innovadora, su interes por promover escandalos, normas, y su defensa de lo irracional. Propugna la libertad del individuo, la espontaneidad y la destruccion. Tiene como fin el expresar el rechaso de todos los valores sociales y esteticos del movimientos. Buscaba dejar impactado al publico y causar controversias. 
• Se utilizo el fotomontaje (convinacion de textos, imagenes y fotografias recortadas), y el titulo de montador se empleo mas que el de artista. Se utilizaron dibujos grabados en maderas y acuarelas, los materiales fueron los desechos encontrados en la calle. Tecnicas: lienzo al oleo, tapiz, collage, lienzo a la escencia. 
• Hans Arp, Hans Richter, Marcel Janco, Viking Eggeling, Christian Schad, Sophie Taeuber, Marcel Duchamp.

Movimiento artístico surgido en Europa y en Norteamérica. Apareció en Zúrich, Suiza entre 1916 y 1922 con Tristan, Tzara como us fundador. Fue una oposición al pasado violento de la guerra mundial. El poema dadaísta suele ser una sucesión de palabras y sonidos, lo que hace difícil encontrarle lógica. Se distingue por la inclinación hacia lo incierto, a lo terrorífico y a lo fantasioso. Busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de pensamientos antes no mezclables y tiene una tónica general de rebeldía o destrucción. También se le suma el gran peota-pintor de apellido Klerman que fue uno de los impulsores del antiarte denominado "dadaísmo". El dadá se extiende a Nueva York, Berlin y Paris.

Sophie Taeuber

Pintora, escultora y diseñadora. Entre los años 1908 y 1913 estudia en las Escuelas de Artes Aplicadas de Saint Gallen, Munich y Hamburgo. En 1915 se integra al Deutscher Werkbund. Ese mismo año, mientras estudia danza en la Escuela de Rudolf von Laban de Zurich, conoce a Jean Arp, con quien contraería matrimonio en 1921, y a cuyo lado transitaría por las más notables vanguardias artísticas de comienzos del siglo XX. En 1916 ambos se pliegan al movimiento Dadá, mientras que Sophie enseña en la Escuela de Artes y Profesiones de Zurich, encargándose asimismo, y hasta 1929, de la organización del plan de estudios de Diseño Textil de esa escuela. Paralelamente a su actividad docente inicia su carrera artística con pinturas al óleo y gouaches con motivos no figurativos. En 1927 con la colaboración de su esposo y de Teo Van Doesburg, diseña los espacios interiores del Café L´Aubette en Estrasburgo, uno entre los contados que llegarían a completarse en estilo abstracto. La maqueta de uno de estos mosaicos seria enviada, más de 25 años después y por sugerencia de Arp, para ser llevada a cerámica esmaltada en el mural Sonoridad, obra que se apareja con el ensamblaje de Arp, Siluetas en Relieve, en los espacios de la Biblioteca de Psicología de la Ciudad Universitaria de Caracas. En 1928 se muda a Meudon, población donde Arp ha instalado su taller. Junto a su esposo habita en esa localidad cercana a París hasta 1940.

 Cabeza dadá

Sophie Taeuber-Arp tomó parte en las actividades dada desde el principio construyendo objetos, como esta Cabeza dada y diseñando trajes para las veladas que se celebraban en el cabaret Voltaire de Zurich, de los que sólo se conservan fotografías. Las líneas rectas y los juegos geométricos definen estos diseños en los que trabajó como muchas otras mujeres de la vanguardia. 

 

Fuentes de información:

http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/obras/17071.htm

http://www.centenariovillanueva.web.ve/CUC/Sintesis_Artes/Artistas_Extranjeros/Taeuber_Arp/Taeuber_Biografia.htm

Material aportado por el docente

NEOEXPRESIONISMO O ARTE POST-MODERNO

Surge tanto en Europa como en EEUU desde mediados de los 70, de la mano de autores como Baselitz, Jorg Immendorff y Margarita Gomez, entre otros.

El neoexpresionismo es una teoría socio cultural que postula la actual vigencia de un periodo histórico que habría superado el proyecto moderno, es decir, la raíz cultural, política y aconomica propia de la Edad Contemporanea, marcada en lo cultural por la Ilustracion, en lo político por la Revolucion Francesa y en lo económico por la Revolucion Industrial.

Se caracteriza por su oposición al proyecto del arte moderno, visto como una evolución, como un reflejo de la sociedad que lo envuelve y lo genera; rechazan principalmente el principio programático del arte de vanguardia de principios del siglo XX.

Las obras de este movimiento suelen ser figurativas (aunque sin rechazar lo abstracto), con referencias iconográficas, con gusto por lo fragmentario.
Mezclan imágenes del arte tradicional a las derivadas de las nuevas tecnologías. Todo lo reinterpretan de una forma subjetiva, personal, pero de forma indiscriminada e irreflexiva, sin pretender evocar algún tipo de concepto o enviar ningún mensaje. Hay una gran variedad estilística y conceptual.

Hare enfasis en el autor Eric Fischl. Neoyorquino nacido en 1948, es un pintor estadounidense. Uno de los principales exponentes de la que ha sido considerada como pintura postmoderna. También se le ha enmarcado dentro del Neoexpresionismo y del Bad painting. Entre 1970 y 1972 estudia en el California Institute of Arts, en Valencia (California). Entre 1974 y 1978 es profesor en el Nova Scotia College of Art and Design, en Halifax (Canadá). En 1975 hace su primera exposición individual en la Dalhousie Art Gallery de Halifax.
Si bien sus primeras obras están cercanas a la abstracción, a partir de 1976 introduce elementos figurativos, derivando a finales de los setenta hacia un estilo realista de fuerte carácter expresivo, con influencia de expresionistas como Max Beckmann, Lucian Freud o pintores de la tradición naturalista norteamericana, como Winslow Homer, John Singer Sargent o Edward Hopper.
Su temática se centra principalmente en la sexualidad, con abundantes representaciones de cuerpos desnudos, en actitudes eróticas, pero con cierto aire enigmático, angustioso, opresivo, lo cual queda enfatizado por su gama cromática apagada, grisácea, con una iluminación de extraña intensidad que acentúa el estilo expresivo de sus obras. Así, Fischl llama la atención sobre la desvirtuación de los valores morales en la moderna sociedad norteamericana.

"la cama, la silla, bailando, mirando"

Eric Fischl

óleo sobre lienzo.



Un óleo sobre lienzo pintado en el 2000, pertenece a una serie de quince partes. De Eric Fischl, su autor, se ha dicho que observa la clase media norteamericana con los ojos de un mirón. La obra lleva por título The Bed, The Chair, Dancing, Watching (La Cama, La Silla, Bailando, Mirando) y parece sugerirnos una defensa ante tal reproche.

En primer término aparece el mirón, el voyeur observando, un hombre sentado en una silla de cóctel blanca con bambú rojo. Del objeto de su deseo sólo podemos apreciar su sombra en la pared del dormitorio: una mujer se contonea con movimientos lascivos, las manos en la cabeza, justo en el mismo punto en el que yo y, usted, amigo espectador, nos encontramos. El hombre nos mira concentrado y resignado y, aquello a donde dirige la mirada, soy yo. Ambos estamos asistiendo al mismo espectáculo, él hacia un punto exterior del lienzo yo, hacia el interior mismo de la habitación.

fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/Eric_Fischl
http://vailima.blogia.com/2006/022001-desnudandome-ante-un-miron.php

HIPERREALISMO

Surge en EEUU a finales de los años 60 en el siglo XX. Autores destacados: Don Eddy, Jorge Daguer, Susana Pomidoro, entre otros.

Propone reproducir la realidad con mas fidelidad y objetividad que la fotografía, a veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical. El termino Hiperrealismo es también aplicable a la escultura y a la historieta. Este movimiento puede ofreceruna versión minuciosa y detallada de las imágenes; los artistas hiperrealistas tratan de buscar una transcripción de la ralidad usando losmedios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Cosiguen con la pintura al oleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía . Se trabaja a partir de la reproducción pintada de los objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes. Existen 2 tipos de Hiperrealismo:
- el americano, una reproducción manual de fotografías (Check y Don Eddy nos ofrecen en sus imágenes aquellos aspectos aburridos caracteristicos de la civilización de masas con la misma objetividad de una camara fotográfica que funciona mecánicamente).
-el europeo, que no suele tener connotaciones del popart y se impregna de un lirismo surrealista).

Duane Hanson es uno de los pioneros en emplear esta técnica. Nacido en E.E.U.U. en 1925, es hijo de inmigrantes suecos a ese país, granjeros en Alexandría, Minnesota.
Sus obras las realiza con diversos materiales, como el bronce y materiales sintéticos (resina de poliéster, fibra de vidrio, etc.), elaborando las esculturas directamente en moldes tridimensionales, más conocido como fundición viva. Su trabajo lo culmina con lapinturacolor piel, colocando los elementos decorativos y representativos, como ser la ropa o la joyería
Siendo un artista hiperrealista, sus obras se destacan por ser de tamaños exagerados, donde la perfección en las terminaciones (como por ejemplo sus rostros), captan la atención de los observadores, diferenciándose de Mueck en su fuente de inspiración, ya que retrata al ciudadano común, ese ser del cotidiano y que podemos encontrarnos en cualquier momento, inclinándose por adultos mayores y personas de gran porte.

"Los turistas II"
Duane Hanson

1988

es el autor de estas esculturas hiperrealistas que retratan con todo lujo de detalles los estereotipos de la clase media norteamericana.
Las esculturas está realizadas a tamaño real, con una mezcla de resina de poliéster y fibra de vidrio, y pintadas a mano. Las prendas de ropa y demás accesorios de la puesta en escena son auténticos.
En la gestualidad de los personajes de Hanson se ve tristeza, frustación, cansancio y dolor por pertenecer a la franja de perdedores: los que no han podido cumplir el sueño americano de abundancia y bienestar.
La mayoría de las obras de este artista fueron concebidas a tamaño real sobre modelos al natural, utilizando el vaciado en escayola, para ser moldeadas después en fibra de vidrio, polivinilo, bronce o resina epoxi y pintadas a mano.






fuentes: http://www.artelista.com/hiperrealismo.html
http://www.artespain.com/10-12-2007/escultura/duan-hanson-pionero-en-el-hiperrealismo
http://www.artespain.com/30-05-2008/noticias/esculturas-del-sueno-americano-exposicion-hiperrealista-de-duane-hanson

OP ART

Movimiento nacido en EEUU en el año 1958, con autores como Victor Vasarely, Kitaoka, Bridger Riley, Julio Le Parc, Cruz Diez, Omar Rayo, entre otros.

Este movimiento se caracteriza por carios aspectos como la ausencia total del movimiento real,todas sus obras son físicamente estáticas lo cual lo diferencia del arte cinético y el pretender crear efectos visuales tales como movimiento aprente, vibración, parpadeo o disfuminacion. Las obras del arte optico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuestadinamica del ojo y una cierta eraccion psicológica derivada de su apariencia sorprendente. Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio.

El efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de las figuras que comparten sus contornos; el efecto Moare, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, como vibración y confusión.

En este movimiento destacare al autor Víctor Vasarely (1906-1997), un artista húngaro  al que se ha considerado a menudo como el padre del Op Art. que desarrolló casi toda su trayectoria en Francia, donde tomó contacto con las vanguardias (cubismo, suprematismo, constructivismo, arte abstracto) y acabó desarrollando un estilo personal que pasó de lo figurativo a lo abstracto, basado en la predominancia de las formas geométricas, a partir de las cuales conseguía interesantes efectos visuales. De este modo, las lineas y figuras geométricas de sus obras crean tramas que transmiten sensaciones diversas, tales como el movimiento o la profundidad: ilusiones ópticas que crea el ojo del propio espectador. La perspectiva se construye de una manera novedosa, sin la presencia de puntos de fuga evidentes.
Una de sus obras fue "Tlinko22":

Vemos como aparece el Op-Art en esta obra , Tlinko 22 (1955) donde se consigue sólo recurriendo a la oposición de colores y a la llamada “trampa al ojo” el efecto de profundidad y el de movimiento. Vasarely utiliza esta vez cuadrados y rombos : los rombos rompen el equilibrio del cuadro creando así el movimiento; y el contraste de colores es el que produce la profundidad.

fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/V%C3%ADctor_Vasarely

POP ART

Se desarrolló en los años sesenta y setenta del siglo XX.Autores destacables de este movimiento son James Rosenquist, Richard Hamilton, Robert Rauschenberg y Andy Warhol.

Este movimiento se caracteriza por el empleo de imágenes eróticas de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios,comics, objetos culturales "mundanos" y el mundo del cine erótico. Es considerado de los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno. Nació y se desarrolló primero en EEUU (Nueva York fundamentalmente), pero pronto pasó a Europa Occidental. Otras características destacables son: el empleo de imágenes y temas tomadas del mundo de la comunicación de masas aplicadas a las artes visuales. Subraya el valor iconográfico de la sociedad del consumo y el capitalismo. Aquí los objetos dejan de ser únicoss para ser pensados como productos en serie.

Andrew Warhola nacido en Pittsburg, un 6 de agosto de 1928 en Nueva York), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art.

Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.

Fue durante los años 60 cuando Warhol empezó a pintar imágenes de productos comerciales icónicos, como latas de Sopa Campbell o botellas de Coca-Cola. Estos objetos eran para él iconos culturales estadounidenses al mismo nivel que Marilyn Monroe, Troy Donahue o Elizabeth Taylor, que retrataba mediante un procedimiento muy similar. En esta época funda "The Factory", su estudio y al mismo tiempo un ineludible punto de reunión de la vanguardia neoyorquina por la que pasaron artistas, escritores, modelos, músicos y celebridades del pujante underground. El taller, cubierto de hojas de papel de aluminio y decorado en color plata. Plásticamente, empezó a producir grabados serigráficos. Su obra empezó a ser muy conocida y desató ciertas polémicas sobre el papel del artista y los fines del arte.

Una de sus obras mas famosas ha sido "Marilyn":

"Marilyn"

Andy Warhol,

"En agosto del 62 empecé a hacer serigrafías. Yo quería algo más fuerte que diera más que un efecto en cadena de montaje. Con la serigrafía elijo una fotografía, le doy golpe para arriba, la transfiero en pegamento sobre seda, y luego paso un rodillo de tinta a través de ella para que la tinta pase a través de la seda, pero no a través de la cola. De esta manera se obtiene la misma imagen, ligeramente diferente cada vez. Todo era arriesgado tan simple y rápido. Yo estaba encantado con él. Cuando Marilyn Monroe pasó a morir ese mismo mes, fue cuando primero tuve la idea de hacer pantallas de su bello rostro..." 

Andy Warhol



Su retrato titulado Marilyn (de la actriz Marilyn Monroe) es quizás la más famosa de sus obras, y refleja plenamente el espíritu de Warhol. En él se presenta a la actriz como un producto de la cultura de masas, empaquetada para el público como si fuera un artículo de consumo, un ejemplo perfecto del movimiento del Pop art norteamericano.

Fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/Andy_Warhol
http://www.xuemagazine.com/2011/04/andy-warhol-un-artista-vendido-o-un-genio

ARTE ABSTRACTO

El arte abstracto es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyo propósito es prescindir de todos los elementos figurativos, para así concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación con la realidad visual. 

Tres movimientos artísticos que contribuyeron al desarrollo del arte abstracto fueron el Romanticismo, el impresionismo y el expresionismo.  A lo largo del siglo XIX se consiguió la independencia de los artistas. El mecenazgo de la iglesia disminuyó y el privado del público fue más capaz de proporcionar una forma de vida para los artistas.

 En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática. Es un concepto general, opuesto al concepto de arte figurativo, que remite a lo más esencial del arte, reducido a sus aspectos cromáticos, formales y estructurales.

Un influyente artista estadounidense y un referente en el movimiento del expresionismo abstracto fue Jackson Pollock. Durante su período de formación conoció la pintura de los muralistas mexicanos, que le impresionó hondamente. Comenzó su carrera con obras figurativas, en las que presta ya particular atención a los valores matéricos y el cromatismo. Hacia 1938 empezó a interesarse por la pintura abstracta e irracional, y para las obras de este período buscó inspiración en el mundo de los indios americanos.

El año 1947 fue decisivo en su trayectoria, ya que fue cuando adoptó la peculiar técnica del dripping: en lugar de utilizar caballete y pinceles, colocaba en el suelo el lienzo y sobre él vertía o dejaba gotear la pintura, que manipulaba después con palos u otras herramientas, e incluso a veces le daba una gran consistencia mediante la adición de arena e incluso fragmentos de vidrio.

A partir de la década de 1950, simultaneó la pintura abstracta con obras figurativas o semifigurativas en blanco y negro, pero su nombre ha pasado a la posteridad, sobre todo, en relación con los grandes lienzos abstractos de vivo colorido, donde los trazos se entrelazan hasta formar una trama densa y compacta (una especie de maraña) de gran impacto.

Su técnica del dripping (en inglés, goteado) se realiza mediante salpicaduras de color sobre una tela puesta en suelo. De esta manera, deja un cieto margen al azar y, según Pollock, sin azar no hay existencia, ya que el azar es libertad.

Las grandes telas se llenaban por todos lados, de manera uniforme, de color en forma de manchas e hilos que se mezclaban. El pintor añadía goteos más finos realizados con un bastoncillo mojado en pintura.

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_abstracto
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/pollock.htm

FUTURISMO

Fue el movimiento inicial de las corrientes de vanguardia artística, surge en Milán, Italia, impulsado por Filippo Tommaso Marinetti. Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica. Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo (artes plásticas, arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine, música, poesía) capaz de crear un verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer y construir de nuevo la faz del mundo. El poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti recopiló y publicó los principios del futurismo en el manifiesto de 1909. Al año siguiente los artistas italianos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini firmaron el Manifiesto de los pintores futuristas.


El futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Para ello superpuso acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una serie de fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en un solo plano.




Umberto Boccioni fue un pintor, escultor y teórico italiano, uno de los líderes del movimiento futurista. Nace en Regio de Calabria, un 19 de octubre de 1882. En 1910, escribió el Manifiesto de los pintores futuristas en el que hacía la revolucionaria propuesta de que los artistas se liberaran del pasado y abrazaran el mundo moderno con su movimiento, su velocidad y su dinamismo. Aunque había tenido influencia del cubismo, se abstuvo de utilizar líneas rectas y recurrió a los colores complementarios para crear un efecto de vibración. En su pintura, como puede verse en Dinamismo de un ciclista (c. 1913, Colección G. Mattioli, Milán), expresa la sensación del dinamismo presentando una secuencia de varios movimientos al mismo tiempo. En sus obras escultóricas, que combinan madera, hierro y cristal, Boccioni pretende ilustrar la interacción que se establece entre un objeto en movimiento y el espacio que lo rodea.
En lo que respecta a sus obras, Boccioni ha expresado magistralmente el movimiento de las formas y la concreción de la materia en sus obras, dejando su estilo bien marcado. Si bien este artista se ve fuertemente influenciado por el cubismo, siempre ha evitado la línea recta y ha utilizado los colores complementarios para crear un efecto de vibración. Como lo ha hecho en sus obras “Dinamismo de un ciclista”, o “Dinamismo de un jugador de fútbol”, aquí en estos ejemplos las representaciones de un mismo tema en estadios temporales sucesivos sugieren eficazmente la idea del movimiento en el espacio. Entre sus obras pictóricas más relevantes destacan “Tumulto en la galería” de 1910, “Estados de la mente n. 1. Las despedidas” de 1911, en la cual los estados de ánimo se expresan mediante relámpagos de luz, espirales y líneas onduladas dispuestas diagonalmente, y “Forze di una strada” del mismo año, donde la ciudad tiene mayor importancia que las presencias humanas. Boccioni además de expresarse eficazmente con la paleta de colores en mano y un lienzo en frente, ha sabido mostrar su arte por medio de maravillosas esculturas, Umberto ha sabido cuando desprecar, lo que ha hecho a menudo, los materiales nobles como el mármol o el bronce, prefiriendo la madera, el hierro o el cristal, ya que él deseaba mostrar la interacción de un objeto en movimiento con el espacio circundante. Finalmente el artista tan prestigioso y valorado ha fallecido el día 16 de agosto de 1916, pero bien ha dejado su arte para poder apreciarlo como se lo sigue haciendo hoy en día por su valor, estilo y demasía.
Tambien fue acusado de violacion en un viaje a porto bello en italia por lo que fue rechazado de la comunidad artistica por casi 6 años
Una de sus obras representativas es "Formas únicas de la continuidad del espacio":

"Formas únicas de la continuidad del espacio"

Umberto Boccioni

1913

Museo Cívico de Arte Contemporáneo de Milán

Formas únicas de la continuidad del espacio no pretende representar un cuerpo según una concepción realista, sino transmitir la acción de dicho cuerpo a partir del estudio de la musculatura y el movimiento humanos. La extensión de las extremidades de este prototipo crea en el espectador la sensación de encontrarse ante una obra dinámica. Otra fuente del artista fue el cubismo, del que aprovechó la representación simultánea de diversos lados de un mismo elemento para conseguir la deseada sensación de desplazamiento. La pasión de los futuristas por el movimiento llevó a Filippo Tommaso Marinetti, ideólogo del grupo, a declarar que un coche de carreras es más bello que la Victoria de Samotracia, escultura con la que, paradójicamente, se compara hoy esta obra

EL CUBISMO

Fue un movimiento revolucionario que surgió en Francia en 1907 hasta 1914.
Se trata de una revolución dentro del sistema que, en definitiva, pretende consolidar y generalizar.

Fue encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris.

En la temática utilizada desaparece la perspectiva tradicional, trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas fragmentando líneas y superficies.

Vemos como se representan todas las partes de un objeto en uno mismo. 

La técnica que se utiliza es la geometrización y la descomposición de las formas.También se hace uso del collage. Se utilizan los tonos pictóricos apagados como los grises, verdes y marrones.

El nacimiento del cubismo está profundamente marcado por el primitivismo. La influencia de las culturas primitivas quedaba reflejada en la pintura del artista malagueño al hacer uso de aquella simplicidad compositiva, del esquematismo, de las angulosidades y de los colores primarios. La obra "Las Señoritas de Avignon" de Picasso marca los orígenes del cubismo.

 

En el cubismo encontramos distintas fases: el cubismo analítico, de 1909 a 1910, fase que se caracteriza por el uso de una multiplicidad de planos que se cruzan entre ellos y el uso de la monocromía; el cubismo hermético, de 1910 a 1912, en el que se van abandonando los planos y solo se visualizan las líneas; y el cubismo sintético, de 1912 a 1914, donde aparece una suave policromía, una síntesis de los planos e introducción de palabras, letras y texturas dentro de la composición.

Podemos decir que Picasso marcó con sus obras este movimiento, fue un autor que baso su arte en diversas tecnicas y vanguardias, pero ha sido un pintor representativo e iniciador del cubismo por lo que deseo destacarlo aqui.

Nació Pablo Ruiz Picasso en Málaga el 25 de Octubre de 1881. Sus padres eran José Ruiz Blasco y María Picasso López. Su padre enseñaba dibujo y pintura en la escuela provincial de arte y oficio; su madre se dedicaba al trabajo doméstico. En 1896, Picasso fue admitido a la escuela de arte y oficio donde su padre trabajaba. Luego al año siguiente, fue admitido a la escuela más prestigiosa de España, la Real Academia de San Fernando en Madrid. En este mismo año ganó mención honorífica para su pintura "Science and Charity" ("Ciencia y Caridad"). 

Desafortunadamente, Picasso cayó enfermo con la escarlatina y tuvo que irse al campo para recuperar su salud. Al regresar a Barcelona, empezó a frecuentar al café donde se reunían intelectuales y artistas, Els Quatre Cats.

En 1907, Picasso pinta una obra que inicia a la revolución cubista, Les Desmoiselles d'Avignon ("Las Señoritas de Avignon", que maracabamos anteriormente como una revolucion cubista).

Entre las numerosas etapas de la pintura de Pablo Picasso, encontramos la época azul (1900-1904), la época rosa (1905-1906) y el cubismo, un periodo que arranca en el año 1907 y finaliza en el año 1914.

Junto a Georges Braque, Picasso propuso en sus obras la fragmentación del espacio, es decir la descomposición en planos de su pintura; la representación en un mismo plano de imágenes de diferentes tiempos, es decir, la simultaneidad y la fusión de imágenes.

«Cuando hacíamos Cubismo, no teníamos ninguna intención de hacer Cubismo sino únicamente de expresar lo que teníamos dentro».

Pablo Picasso.

 

Fábrica en Horta de Ebro

Pablo Ruiz Picasso, año 1909.

Museo Ermitage. San Petersburgo.

La temática trata acerca de una fabrica rodeada de unas palmeras imaginarias. Se mudo junto a fernande a la Horta de Sant Joan, once años después de su primera visita. Allí pintó y dibujó naturalezas muertas y numerosos retratos de Fernande, entre ellos Mujer desnuda en un sillón (colección privada, Francia) y Busto de mujer (Fernande) (Hiroshima Museum of Art). También realizó seis grandes paisajes, entre ellos El embalse (Horta de Ebro) (MoMA, Nueva York); La fábrica de Horta (Museo del Ermitage, San Petersburgo) y Casas en la colina (Horta de Ebro) (Neue Nationalgalerie,Berlín). Fueron los inicios del cubismo analítico, deudor de los conceptos de relieve, «perspectiva inversa» y modelado de Cézanne.

La técnica que utiliza es la de las figuras geométricas, también podemos observar colores como el verde , el rojo y el amarillo en sus diferentes tonalidades. En las obras que pintó en Horta los árboles y formas naturales fueron obviadas, y la roca superficialmente amorfa fue analizada y rota en planos para luego reconstruirla mediante la superposición de los planos; en algunos casos la geometrización se extendió al cielo, y el conjunto ofrecía una composición rigurosa con una profundidad que no envidiaba a la perspectiva tradicional. El uso de la luz era completamente arbitrario, estrictamente para acentuar los contornos y afilar los relieves.

Fuentes: http://aiken55.wordpress.com/2010/08/12/picasso-y-el-cubismo/

http://www.artespain.com/26-08-2008/pintura/picasso-y-el-cubismo

http://es.wikipedia.org/wiki/Cubismo

Expresionismo

El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a fines del siglo XIX y principios del siglo XX como reacción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el renacimineto, particularmente en las anquilosadas academias de bellas artes.Por otro lado una reacción  impresionismo frente al naturalismo y el carácter positivista. Los expresionistas defienden un arte más personal e intuitivo, donde predomina la visión interior del artista: la "extresión, frente a la plasmación de la realidad, la "impresión".

El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. Era un movimiento artístico heterogéneo. Tenía una temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica. El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la extresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos (lo morboso, sexual, fantástica o pervertida, entre otros) y la deformación emocional de la realidad. Los temas se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística. Sus trazos exagerados y la utilización de muchos colores violentos intensifica la extracción mostrando la realidad de una forma muy personal. 

El expresionismo no fue un movimiento homogéneo, sino de gran diversidad estilística: hay un extresionismo moderno (representado en obras de Munch), fauvista (en obras de Rousseau), cubista y futurista (como las de Die Bruche), surrealista (representado por Klee), abstracto (representativo de Kandinski), entre otros.

Edvard Munch ha sido un pintor noruego cuyos cuadros y obra gráfica, tristes y angustiosas representaciones basadas en sus obsesiones y frustraciones personales, abrieron el camino al desarrollo del expresionismo. Nacido en Loeiten, Noruega, el 12 de diciembre de 1863, Munch comenzó a pintar a la edad de 17 años. Una beca estatal, concedida en 1885, le permitió proseguir sus estudios en París durante un breve periodo de tiempo. Veinte años después, en las ciudades de París y Berlín, Munch desarrolló la mayor parte de su producción artística. Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista, derivó hacia un estilo mucho más personal, obsesivamente apegado a la representación de imágenes relacionadas con la enfermedad y la muerte. La exposición de sus cuadros en Berlín en el año 1892 impresionó de tal modo a las autoridades que decidieron cerrar la muestra. Sin inmutarse por la contrariedad, Munch y sus partidarios trabajaron durante toda la década de 1890 en pro del desarrollo del arte expresionista alemán. De entre toda su obra, la más conocida es quizá El grito (1893, Museo Nacional de Oslo). Ésta, junto con el angustioso Niño enfermo (1881-1886, Museo Nacional de Oslo), reflejan el trauma sufrido por Munch en su niñez al morir su madre y su hermana víctimas de la tuberculosis. Pinta también tristes y melancólicas escenas, como El puente, con figuras lánguidas, de rasgos y rostros indefinidos. El reflejo de sus ansiedades sexuales puede verse en sus múltiples retratos de mujeres, representadas alternativamente, como frágiles e inocentes víctimas o como vampiresas devoradoras de vida. En 1908 su estado de ansiedad alcanzó tal magnitud que hubo de ser hospitalizado. En 1909 regresó a Noruega. La relativa tranquilidad que dominó su vida desde 1909 en adelante tiene su reflejo artístico en los murales de la Universidad de Oslo (1910-1916) y en el vigoroso y brillante colorido de sus paisajes. Aunque los últimos cuadros no son tan torturadores como sus primeros trabajos, su último autorretrato, Entre el reloj y la cama (1940, Museo Munch de Oslo), marca una vuelta a la introspección de años anteriores. Las numerosas xilografías, aguafuertes y litografías que Munch realizó a lo largo de su carrera tienen hoy día una significativa consideración dentro del arte gráfico contemporáneo, un trabajo y un estilo que puede definirse como poderoso, simple, directo y fuerte. Son muy pocos los cuadros de Munch que se conservan fuera de Noruega, entre ellos figura Atardecer. Laura, la hermana del artista de 1888 que se encuentra en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. Para desarrollar el tema de este movimiento me concentre en la obra "El Grito" de este autor:

"El Grito"Edvard Munch-1893 Óleo, temple y pastel sobre cartón.
 89 x 73,5 cm.
 National Gallery. Oslo

El grito es el título de varios cuadros del noruego Edvard Munch. La versión más famosa se encuentra en la Galería Nacional de Oslo y fue completada en 1893. Otras dos versiones del cuadro se encuentran en el Museo Munch, también en Oslo, mientras que una cuarta versión pertenece a una colección particular. Munch realizó también una litografía con el mismo título.
En los últimos años, la obra, en dos versiones diferentes, ha sido objeto de sendos robos de gran repercusión mediática. La versión más conocida, la de la Galería Nacional, fue robada en febrero de 1994, y fue recuperada en una acción policial ocho semanas más tarde. En agosto de 2004 se produjo el robo de otra de las versiones del cuadro, una de las expuestas en el Museo Munch. Dos años después, el 31 de agosto de 2006 la policía noruega anunció la recuperación de la pintura, en buen estado.
Todas las versiones del cuadro muestran una figura andrógina en primer plano, que simboliza a un hombre moderno en un momento de profunda angustia y desesperación existencial. El paisaje del fondo es Oslo visto desde la colina de Ekeberg. El grito está considerado como una de las más importantes obras del artista y del movimiento expresionista, constituyendo una imagen de icono cultural, semejante al de la Gioconda de Leonardo da Vinci.
El cuadro es abundante en colores cálidos de fondo, luz semioscura y la figura principal es una persona en un sendero con vallas que se pierde de vista fuera de la escena. Esta figura está gritando, con una expresión de desesperación. En el fondo, casi fuera de escena, se aprecian dos figuras con sombrero que no se pueden distinguir con claridad. El cielo parece fluido y arremolinado, igual que el resto del fondo.

Fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/El_grito
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=321

Fovismo

El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. 

El movimiento se fraguó en torno a Henri Matisse y sus integrantes fueron André Derain, Maurice de Vlaminick, Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy y Emile Otón Friesz. En 1906 se unieron también George Braque y Raoul Dufy.

El Fauvismo no fue un movimiento conscientemente definido, careció de un manifiesto. Fue un mosaico de aportaciones en el que cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura. Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionan contra el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz a costa de la pérdida del color.

Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo.

Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores. Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones respondían a un ejercicio de sintetización, buscan la máxima intensidad emocional combinada con la máxima simplificación de elementos. Por ello renuncian a la perspectiva clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a desaparecer y con ella la profundidad. Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes hermosos.

Henri Matisse (1869-1954)

Considerado el líder de los fauvistas, fue el único de ellos que no cambió su dirección. Intenta expresar sentimientos a través del uso del color y de la forma.

Su primera formación la realizó dentro de la tradición académica en el estudio de Gustave Moreau, siendo condiscípulo de Roault y Marquet. Realizó numerosas copias de los cuadros de los maestros clásicos a la vez que estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, comenzando su propia experimentación.

LA ALEGRIA DE VIVIR

(1905-1906) resume su aprendizaje inicial de los cuadros clásicos, de Gaugain, de las estampas japonesas y de los iconos persas y bizantinos. Será la obra clave de su carrera. Es una escena fruto de su imaginación, totalmente subjetiva. Utilizó el tema de las bañistas y las odaliscas orientales y las traspasa a un ambiente occidental. Definió los espacios mediante amplias áreas de colores sin matizar, estructurados por medio de las líneas de los cuerpos, que dirigen la vista del espectador y marcan el ritmo de la composición.

La construcción con el color y la simplificación formal dominaban sus cuadros con gran audacia y seguridad. Matisse dibuja con el color, que es el que da entidad a la pintura pudiendo desempeñar el papel de dibujo, de perspectiva y de sombra de volúmenes. En su obra hay alegría, serenidad, es un arte amable, apacible, es un camino hacia la profundidad de sí mismo.

http://www.arteespana.com/fauvismo.htm

Postimpresionismo

Es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de fines del siglo XIX y principios del siglo XX. Suerge entre 1880 y 1905 aroximadamente, como una reaccion contra el Impresionismo y le Neeo-Impresionismo.

Pintaban temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión. Reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión muy subjetiva del mundo. Es decir, que su principal diferencia fue que no extresan la realidad, sino que mostraron si propia visión de ella.
Los postimresionistas utilizaron colores vivos, una aplicación compacta de la pintura y pinceladas distinguibles. Basara su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionana contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza, y presentara una visión más subjetiva del mundo. 

Se puede destacar como Paul Cézanne se interesó por resaltar las cualidades materiales de la pintura, representando seres vivos y paisajes, volúmenes y relaciones entre superficies, como en Pinos y rocas (1895-1898, MoMA, Nueva York). Su interés por las formas geométricas y la luz prismática inherente en la percepción de la naturaleza anticipó los experimentos del cubismo. Por otro lado, Paul Gauguin, en un intento por conseguir la capacidad comunicadora del arte popular, se centró en la representación a base de superficies planas y decorativas, como se aprecia en la obra Calvario bretón (1889, Palacio de Bellas Artes, Bruselas).

Por último, Vincent Van Gogh, por su parte se aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas coloristas, evocadoras de las emociones internas del artista. Su experimentación subjetiva, ejemplificada en Noche estrellada (1889, MoMA de Nueva York), preludió el expresionismo.

Este ultimo autor, destacado a traves de los tiempos por sus grandes obras, es a quien deseo resaltar.  Su nombre completo fue Vincent Willem van Gogh, nació en Zundert, Países Bajos, 30 de marzo de 1853 y  fallece en Francia, el 29 de julio de 1890. Fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del posimpresionismo. Pintó 900 cuadros (de ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y 1.600 dibujos. La figura central en su vida fue su hermano menor Theo, quien continua y desinteresadamente le prestó apoyo financiero. La gran amistad entre ellos está documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de 1872. Durante la infancia Vincent asistió a la escuela de manera discontinua e irregular, sus padres le enviaron a diversos internados, el primero en Zevenbergen el año 1864 y más tarde en 1866 a Tilburg. Dejó los estudios de manera definitiva a los 15 años. Aunque no fue buen estudiante, allí empezó a aficionarse a la pintura. Durante toda su vida se enorgulleció de ser un gran autodidacta. Establecido en 1880 en Bruselas hizo amistad con el pintor neerlandés Anthon van Rappard. Se inscribió en la Academia de Bellas Artes donde estudió dibujo y perspectiva. En esta época realizó esbozos y dibujos basados en las pinturas de Jean-François Millet, representando personajes de campesinos y mineros, modelos de la vida cotidiana, y pintándolos muy realistas y con tonalidades oscuras.

La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte considerándose uno de los grandes maestros de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre los expresionistas alemanes y los fauvistas como Derain, Vlaminck y Kees Van Dongen. Por medio de numerosas reproducciones muchas de sus obras son muy conocidas y se encuentran profundamente enraizadas en la consciencia artística general y mantienen su actualidad en todo el mundo.

Una de sus obras que más llamó la atención fue " Campo de trigo con vuelos de cuerva", una obra realizada con óleo sobre lienzo, que fue pintada en Julio de 1890:

NOCHE ESTRELLADA- Van Gogh

Descripción de la obra
El cuadro es uno de los muchos que Van Gogh pintó desde la ventana de su celda. Hay en él partes que corresponden a una realidad como el paisaje ondulado de los montes Les Alpilles y las plantaciones de olivos, así como la situación de los astros en el cielo, donde quedan perfectamente reflejados la constelación de Aries, la Luna y Venus.

Es imaginario el pueblo que el artista sitúa sobre el lugar donde solo existen algunas casas de campo aisladas.

Son reales, pero desplazados de lugar, dos elementos que juegan un papel importante en la interpretación del cuadro: el ciprés, que es tomado de los árboles que rodeaban el monasterio y, si bien no coincidían con su ventana, él podía verlos lateralmente, y en primer plano, con una perspectiva similar a la que aparece en el cuadro, donde solo se aprecia la parte alta del árbol ya que la habitación del pintor se encontraba en una planta alta; y la iglesia que, según Boime, se trata de Saint Martín, situada al Norte del hospital, y no al Este como lo pinta Van Gogh.Van Gogh: representó mejor el postimpresionismo, estilo que sucedió aproximadamente en un periodo entre 1885 y 1915. Representó una vía divergente del impresionismo, donde los pintores hacen de la vida cotidiana su tema principal.

La técnica que empleaba era diferente según el efecto que quería conseguir, cubría los planos con colores puros, mientras que en otros cuadros ponía pinceladas amplias y a veces perfilaba todo el dibujo con trazos gruesos. Otras veces, trabajaba con un pincel duro rayando todas las formas, según le interesara, acentuaba las líneas o el color, El trazo con movimiento rítmico lo repetía tanto en los dibujos como en las pinturas.

http://www.vggallery.com/visitors/major/navarro/24.htm